冰淇淋与雨声

　　本来写完《塔巴德魔神》就准备睡觉的，谁知道鬼使神差看了《冰淇淋与雨声》，喜欢的不得了。看完电影是凌晨四点半，查了一下资料，才知道《安昙子下落不明》，也是出自导演松居大悟之手。

　　要说《冰淇淋与雨声》的惊艳之处，在于一镜到底的拍摄手法，以及自由切换的时间空间，整部电影可以说拍的很有力量。无论是抱着话筒傻说唱的MOROHA，还是演员森田想努力追逐的独白，都表现的很有力量。但是不足之处，也就在于这些很有力量的东西，打破了电影平缓叙事的灵活性，使得这部分的处理看起来很尴尬。就像是油腻大胡子大叔，穿着紧绷绷的女仆装高喊自由一般。

　　电影的故事很简单，开头就给出来了：2017年3月，小镇即将上演一出舞台剧。出演的是通过试镜选出来的少男少女，但是因为售票状况不佳，舞台剧的演出被取消了。以森田想为代表的少男少女们，为了实现梦想，冲破了重重阻挠最终站上了空无一人的舞台。

　　电影的时间一共七十四分钟，在这七十四分钟里，分为现实和话剧排练两条线。现实部分分别为正式演出一个月前、正式演出三周前、正式演出两周前、正式演出一周前、正式演出两天前、演出当天以及演出前一小时。话剧内容以排练的形式穿插存在于这七段现实中。

　　话剧的内容也很有意思，想从小的朋友怜子要离开小镇去远方发展，送怜子离开的时候，想伙同怜子杀掉了自己的男友伟登。而与此同时，想的母亲也即将病逝，想一瞬间面对失去所有人的命运。

　　冰淇淋和雨声，很好的诠释了故事内外。冰淇淋甜美而冰冷，而雨声暴躁却充满诗意，哪一个才是梦境？哪一个才是现实？或许根本就说不清楚，当话剧里的怜子要离开的时候，那是一种对生活的追逐，能够追逐生活的人，是拒绝平庸的。就像想在话剧里杀了男友一样，就像现实中不愿意接受话剧停演的结果。无论是现实还是话剧，要表达的东西，在本质上都是一样的，就是不想向命运妥协。

　　然而，当演员们站上舞台的时候，面对的却是空无一人的观众席，这就是现实。话剧中也是一样，虽然杀死了龌龊的男友，但是想最终要面对的，还是警察的调查，伟登父母的责难。讨厌的母亲即将死去，迎面而来艰苦生活又成了要面对的压力。哪一个是好？哪一个又是坏呢？其实都不重要，就像导演在开头说的，故事的开端是朋友要搬离小镇，讲述的是痛苦的回忆和人物的挣扎，故事的情节并不重要，想要描绘的是几个人在舞台上的生活，所以六个人使用本名出演。

　　电影里的松居导演就是松居大悟本人，他所说的故事情节，既包含了话剧的故事情节，也包含电影本身的故事情节。情节是次要的，最主要的是把青春期人物复杂的情感真实的表达出来。

　　开头是故事和话剧的重叠，结尾其实也是，六人站在舞台上的宣言，不仅仅是针对那个话剧的，更像是电影本身的呐喊。

　　moroha在开头念道“时间解决一切，无论是失恋、屈辱、或是后悔，所以我只是吃喝拉撒，然而我为什么你为什么还是要拼命的抓住这份稍纵即逝的情感？”在结尾的时候，MOROHA喊出了类似的话，只是说“时间会解决一切，这样本来就可以了，为什么我还放不下，那些再坏再不堪的垃圾都是我的一部分，还给我。”

　　MOROHA喊出的话，其实就是青春本身，丢掉了就再也回不来的本身。当我们身在青春的时候，特别不在乎。而当青春走了，却又那么不舍。就像《就这样，我们把金鱼放入了泳池》里最后的旁白：最后，一切都没有改变；最后，我们的所作所为毫无意义；但是最后，她们唱道：“来吧，轻轻吻我吧，一边凝望大海与天空，我爱你，此时此刻我活着……”这就是青春，明知道什么都改变不了，但是还是要去改变，只因为，我活着。

　　就像这部电影一样，生硬尴尬中二病，不过就像是热烈的烟火，很快就会消散，但是，这就是青春。我相信，这就是大多数人喜欢这部电影的原因。虽然他们注定会消失，那又有什么关系呢？

　　那种，迷茫，又忧伤的东西。

亚历山大·索科洛夫《俄罗斯方舟》

但纵观百年光影，像《俄罗斯方舟》这么出名的“一镜到底”其实并不多，毕竟很少有导演能够一次就拍成功，而假如要反复NG重拍，所耗费的精力与财力都无可估量。

也正因此，某些不像索科洛夫那么“较真”的导演，也会尝试用组接的方式“伪造”所谓的一镜到底。比如冈萨雷斯·伊纳里多的《鸟人》，看似一镜到底，其实中间有16个剪辑点；再比如希区柯克的《夺魂索》，其实是十个镜头组成的；还有贝拉·塔尔的《麦克白》，是由两个镜头构成。

亚历桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里多《鸟人》

阿尔弗雷德·希区柯克《夺魂索》

当然，近些年也不乏敢于挑战“一镜到底”的勇士，会偶尔站出来。比如德国导演塞巴斯蒂安·席佩尔，就曾在2015年拍了部一镜到底长达138分钟的《维多利亚》，拍了三次才成功。比如日本导演三谷幸喜的《大空港2013》，则以100分钟的一镜到底牵引出整个机场的人生百态。

塞巴斯蒂安·席佩尔《维多利亚》

三谷幸喜《大空港2013》

当然，可能很多人还会提到毕赣导演《路边野餐》中的42分钟长镜头，或者《地球最后的夜晚》中长达1小时的长镜头。但因为这两部都并非一镜到底，在此就不展开了。

而今天我们要深聊的这部电影，来自非常年轻的日本新生代导演松居大悟。这部新近出炉的日影《冰与雨声》（后改为：冰淇淋与雨声），最初吸引我的便是“74分钟一镜到底”这个技术性噱头。

有颜又有才的松居大悟导演

放进影史序列看，74分钟一镜到底可能并不算什么；影片真正闪光之处，还在于那些排演时刻迸发的灵魂火花，虽为日式中二热血，也难免让我想念约翰·卡萨维茨的临场魔力。而影片中某句歌词也令我一直记忆犹新：“看不到我的未来，我终于松了口气；因为未来平庸到让人反胃。”

作者| 松原

公号| 看电影看到死

前阵子，北京温度骤降还下了雨。在这样的天气里跑去电影资料馆看《冰与雨声》（后改为：冰淇淋与雨声）倒也很衬这个题目。抱着这样的想法，我满怀期待进了场。

之前，看本片导演松居大悟编剧并执导的《Byplayers》颇感惊艳，也有所耳闻导演前作《安昙春子下落不明》因为较为大胆创新的手法、而收到褒贬不一的各种评价。

《安昙春子下落不明》

而今年这部《冰与雨声》则是以74分钟一镜到底的拍摄手法和打破虚实界限的华丽青春群像主题深深吸引住了我。

悄悄观察影厅其他观众，我猜或许大家也都是如此吧？资料馆的大厅都没有坐得很满，而观众大多数也很年轻，大家几乎表现得像是来见一个朋友一般。

松居大悟的才气也确实在这部电影中展现得淋漓尽致。正如导演自己在映后的对谈中所言，《冰与雨声》并不太能够被定义为到底是怎么样的电影，而是处在某种“中间状态”，因其模糊了现实与虚拟、电影与戏剧，甚至观众与银幕的诸多边界；然而，也正因如此，这部电影才有了自己的迷人之处，也即成为导演本人想要探求的某种真实。

影片《冰与雨声》展现了热爱戏剧的少年少女为了一次演出努力练习、却在最后被告知演出取消，因而奋起反抗的故事。在这些年轻人的生活里，戏剧是一件随时可能发生的事情——随时都能进入故事，随时都能进入表演状态。

导演通过画幅的改变，暗示我们什么是在电影中的现实里发生的事，什么是在电影中的戏剧里发生的事。而我们年轻的主人公们就在戏剧和现实中肆意穿梭，串联起既是现实又是戏剧的双重剧情，推动两个不同故事共同发展。此外，还有不经意间就会出现的主人公对着镜头喃喃自语的画面，既是展现内心独白，又像是和观众对话。

整部电影的氛围相当自由却不至于令人费解，仿佛是一次对自己中学时代的回忆，相当轻快。事实上对我来说，在观影过程中能感受到的是三重时空的同时存在。

所谓三重时空，一重是我本人所处的现实，一重是电影中主人公们所处的时空，一重是电影中的戏剧时空；三重时空交相呼应，形成奇妙的观影体验。在画幅伸展缩放之间，电影中的少年少女直视镜头喃喃自语之时，现实和虚拟的边界就被淡化了。

由此更进一步，甚至观众和银幕的边界也是被淡化的。假如当天在电影资料馆坐得足够靠前，那么在电影的最后那个场景中——镜头对准站在舞台上的少年少女们，前景是空无一人的座位，简直会产生此刻就坐在空旷的下北泽小剧场中的错觉，正看着舞台上的这群年轻人——多么微妙的感受！

电影作品中不缺少一镜到底的经典先例，而在这74分钟之中，导演却很好地利用长镜头发挥了电影的特质，在镜头的停滞和字幕的提示之间完成时空转换。长镜头跟随演员，在演出开始前的狭小公寓中来回游走，或旋转，或停留，以此展现演出开始前不同时段主人公们不同的行为与相异的心境。

或者说可以这么理解，在演出最终开始之前，主人公们的日常就是不停地重复排练戏剧的各个部分，在每个时间节点导演截取的只是一种“横截面”，但这种“横截面”却能因其相似性而互相连接，然后再用这个长镜头的“容器”将其装载。不得不说，还是挺有想法的。

而《冰与雨声》中的戏剧特质，除了主人公们突然地进入表演状态之外，也展现于担当配乐的MOROHA中。这个只有两个人的音乐组合，包括了负责说唱部分的Afro和负责吉他的UK，在《冰与雨声》中担任了类似于戏剧中“歌队”的角色。

自戏剧诞生以来，歌队就在其中担任着叙事和抒情的双重功能，比如提示情节、暗示命运。《冰与雨声》中的MOROHA也是如此，用他们一贯以来那种宣泄似的歌声告白主人公们内心理想受挫的愤懑和不知去向何方的迷茫。

从片头开始，导演让MOROHA时不时于电影中出现甚至可以与主人公互动，运用他们的歌声在影片情绪浓烈之处加以渲染，Afro的诉说也与主人公们抗争的心境相得益彰。

电影中加入诸多具有戏剧特质的重要元素，同时又不舍弃电影调度本身在时空转接上的优势，因此在整部《冰与雨声》之中，电影和戏剧的边界也是不甚分明的。因此，在这两个层面上，《冰与雨声》所展现的就是那一种“中间状态”——模糊了现实与虚拟，也模糊了电影与戏剧。

然而，电影的感情却是再分明不过了，那种似曾相识的少年心气。因为戏剧是唯一的寄托，所以失去了戏剧就不知道再有什么可以热爱的了，所以不甘心呀，不甘心向往的远方就这么被剥夺了，所以冒着被赶出去、被斥责甚至承担可怕后果的危险，也要溜进剧场，所以就算台下观众席空无一人也要开始表演，因为失去这个就一无所有了。

松居大悟导演在映后说这是由真实的故事改编而来的，这些孩子是真的因为原定的戏剧表演取消了，才会有这部电影作为替代——而松居大悟本人也在电影中“真实地”扮演了戏剧导演的角色。

而在真正的现实中，这些演员也正是怀着对戏剧和表演的热爱才会聚到一起——差不多都是高中生的样子，没有事务所甚至没有正式表演的经历，其中一位还是从大阪来到东京下北泽，甚至做好了要是不成功就坐夜班巴士回去的打算。

也难怪这部电影中的感情会如此真实——这也是虚实之间的又一次互相映衬啊。电影的背景所在地下北泽，是东京新兴的流行文化区域，也以诸多剧场著称。不少著名演员就是在此完成了自己人生的首次登台亮相，也是许多热爱戏剧的年轻人寄托梦想的地方。

忍不住会想在《冰与雨声》背后的下北泽，还会有多少类似的年轻人，怀着相同的少年心气，在此奋力一搏呢？从电影中的青春群像到电影背后，最终又回到电影中，这正是《冰与雨声》构造的“中间状态”的迷人之处。

不过直到映后，我才知道自己一直以来都意会错了《冰与雨声》的含义。用松居大悟导演的话说，雨声就好像剧场里的掌声，而“冰”事实上应该被翻译为“冰淇淋”，是把他带回到现实中的事物。将这两种物件并置，正如电影和电影之外的同构，作为题目真是太好了。能在影院体会到这种模糊诸多边界的“中间状态”，也真是太好了。

本文原标题：被模糊的边界与真实的少年心气——《冰与雨声》及其展现的“中间状态”

作者| 松原；公号| 看电影看到死

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松居大悟_冰淇淋与雨声_2017

6.7

情绪上真是没什么说服力，青春题材经常这样。

时间提示、画幅切换、镜内蒙太奇、配乐旁白的入场共同作用出一个戏里戏外时间空间边界不明的叙事概念，可以说非常新鲜，可这些在前十几分钟吓到了我的一切形式都在后来逐渐疲软。某种程度上它从头到尾都带来了快感，这是场面调度的功劳，尤其是吉他念白组固定频率的出现，有张有弛，爆发和沉寂分布得很平衡。有些电影会很像音乐，这部就是其中之一。它未必是那些听完之后让你怔在原地很久的音乐（当然有这种音乐），而是在过程中会前摇后摆的那些（当然也有这种）。

剧情的设计呢，跟不上这种出色的节奏。虚浮的台词听得我面红耳赤，和重新看高中时日记的感受类似——我倒不会反感这种对着空气挥拳般的尴尬，也理解少女少年不分虚实地疼痛。这群年轻人对于差不多的梦想有各异和持续变化的态度，热情啊，偏执啊，绝望啊，释然啊，空虚啊，或表达自己的无法理解或接受，最后又可以抱着明知不可达成也要做的觉悟。主创在电影开始的会议上说了，青春期疼痛嘛，待会儿要是疼麻烦你就“哎哟”一声，全面而具体可不够精准，情绪转变的动机和表现形式都十分潦草。倘若每个角色都要如地铁上的醉汉一样吐露心声，谁愿意听呢？她们抱怨了，“所有人都无聊，包括你，大多数时间也无聊”，我对本片也有相同的困惑，哪怕到剧场后鼓点更加密集，天旋地转，也只加剧了我的困惑。既然这个小镇没劲，为什么不去别的镇呢？我就是这么问我自己的。

8.5

‘制作费是笔和A4纸， 梦想不会来到你身边而实现， 梦想只有努力追逐才会变为现实。 是否能够实现并不重要， 只要有梦想人生就会熠熠生辉。’ 一镜到底让我们在现实与虚拟的时空中穿梭，花瓶裂开的缝隙照进阳光。 让时间把梦想和热情带走，你甘心吗?导演用画幅的变换取代了转场，从16:9到2.35:1，画幅的轮替像一次呼吸，存在却容易被忽略。 ‘以前开班会选班委的时候， 毛遂自荐的我输给了朋友举荐的人气选手， 我到现在还记得向我投来的无数的嘲笑眼光， 如果当年用那种眼神看过我的同班同学中， 现在有人在看这部电影的话， 请你务必保持那种眼神。’ 嘶吼，挣扎，转身空无一人。 这是一首写给想要站上舞台的人的情诗， 吞咽下喉咙中的泪水，感动于创作者的执念。

冰淇淋与雨声，简单直白的名字，中二病的气息扑面而来；剧情也是干脆利落：讲的是小镇里即将上演一出舞台剧，出演的是通过试镜选出的少年少女们，但是这场舞台剧中止了......

在意剧透的朋友可以安心了，导演（富有深意）大大咧咧的把故事梗概打在大屏幕上，当然这跟“多年以后，奥雷连诺上校站在行刑队面前，准会想起父亲带他去参观冰块的那个遥远的下午。”的开头差不多一个意思：人总归是要死的，但生活还得好好过，是吧？

电影画面是从一个对着镜头说唱的大叔开始的，歌词关于时间和逝去的青春。然后是舞台剧的导演讲戏的环节：故事的开端是朋友要搬离这个小镇，讲述痛苦的回忆，人物的挣扎，目的是描绘青春期的疼痛。

接下来随着画幅的拉宽，电影正式进入了剧场模式（少年少女们排练戏剧的镜头）

画幅的切换贯穿了整部电影，作为电影中发生的事和电影中的戏剧里发生的事之间的界限，在切换的多次重复后，这个界限逐渐变得模糊，作为观众一不留神就被带入不同场景中的表演。加上演员们透过屏幕直接对着观众的视线和独白，进一步淡化了观众和屏幕的边界。你我是在和电影中的演员看着同一场舞台剧，观众被拖入与电影中的现实那个维度。

所谓剧场效应，在现实生活中表现为，人们习惯通过一个画面隔开一段距离去观赏别人的喜怒哀乐，生活被戏剧化，本身成了一座大剧场，人既观剧，亦被动演剧，在不自觉状态中被彻底异化，抛出了自我，生活于别处，人们的生活处于佛教所说的“依他起性”的状态而没有自性。

作为梦的延续，被选中的少年少女们意料之中的上演了一场硬闯话剧场的大戏。

记得某个伟人说过“梦想总是要有的，万一实现了呢？”，导演的套路还真的是母猪带胸罩，一套又一套啊。虽然说在所有令人绝望的结局中，“幸福的结局”是最最令人绝望的结局，还是让人忍不住的想看一眼梦实现了的模样。同时，让观众去回溯，如果舞台剧最终没有上演的预设被打破，那么历经的这一切会不会有完全不同的意义。如同，早已分手的恋人和多年的老夫老妻去回想从初见到相爱的点点滴滴。

然而，强撸的春梦不甜。当你踌躇满志的踏上舞台，发现面对的是空荡荡的观众，所有注视的目光，赞赏的掌声全都来自你自己的想象。如同某人死了，却不愿意死去，他不断归来，刺痛着生活的鼻息。如同哈姆雷特的父亲，活死人的归来是为了提醒活着的人去清偿未完成的债务。梦想的第一次死亡是被现实撂倒，梦想的第二次死亡是被我们亲手掐死，这时候梦想才真正死去。

原发布于我的个人公众号：久石乞。了解一下？

很少粉的公众号：久石乞

十年过后，一切都都化为虚有。大家都想听到神的话语，但这也是不存在的，大家都想在黑暗中拥有一束希望之光，这也不存在。

吸进亿万句叹息 幻化成希望的语句将其呼出

饮下亿万滴眼泪 幻化成决心的话语将其吐出

经历亿万场风雨 亿万朵花凋零散尽

即便如此 也拼上一生一次的生命 绘出生命的色彩

吸进亿万句叹息 饮下亿万滴眼泪

经历亿万场风雨 亿万朵花凋零散尽

即便如此 也拼上一生一次的生命

在心中绽放的花朵 名为火花

只要活着 喊出花语

拼上性命 绘出生命的色彩

时间啊 时间可以解决一切

失恋 屈辱 后悔 全部都会在时间中得到解决

以前也是这样过来的

憎恨 疼痛 苦楚 甚至连有过的梦想 嫉妒过的对象 无法转交的思绪

时间都会一一解决 将之化为乌有

这样就可以了 这样就放下了 这样应该就好了

但是我

还是不想这样

还是不愿这样

因为那些东西都是属于我的

因为再坏 再不堪 也是我的一部分

还给我 还给我

让时间带走一切你甘心吗

还给我 还给我

都还给我

对不起爸爸 给您添麻烦了

对不起妈妈 害您担心了

过年我也不打算回家了

毕竟没有一件能挺直胸膛汇报的事啊

数到十并不会就结束人生

往后还有十一和十二在等待

我都知道 但还是让我再稍微尝试一下吧

像“放弃”这样令我憧憬的词语

还是很想日后有说出口的勇气的

这是只有能直面严寒的家伙才能脱口而出的话

我尚且还不具备那个资格吧

所以 现在我还不会说什么“丢弃梦想”

因为心中没有盛放它的垃圾桶啊

想要最后漏出笑容

不对

我想要一直笑到最后

出生于1985年的松居大悟是日本影坛近年来颇受人气的新星，他既担纲演员，又足可胜任导演，2016年执导的《安昙春子下落不明》获东京电影节主竞赛单元最佳影片提名；2017年在电影版《昼颜》中有过出演，更因执导剧集《Byplayers：如果这6名配角共同生活的话》而备受瞩目（续集同受好评）；今年推出的《冰淇淋与雨声》和《你因你是你》也收获了比较两极化的口碑，喜爱者觉得新奇有趣、富有创造力，厌恶者则认为矫情做作、故弄玄虚，而笔者在观看《冰淇淋与雨声》后甚是喜欢，几乎可视作日影近几年难得的惊喜佳作。

精妙的时空转换

本片讲述的是一群年轻人排练即将上演的舞台剧的过程，从面试开始，到公演前三周的彩排初期，时间轴以倒计时推进，直至开演前最后一天、最后一小时、最后一分钟……期间，剧团虽遭遇过表演不尽人意、合作不力等困扰，但最大的麻烦是迎来被告知取消演出的晴天霹雳——只因演员们不是大牌明星，缺乏票房号召力，制作方考虑到盈利困难，遂停演。演员们决心冲破阻挠，以自己的方式上台“演出”。

影片最大亮点是一镜到底，说起一镜到底，影迷们脑海中迅速联想到的，不外是《鸟人》、《维多利亚》、《俄罗斯方舟》、《鱼与猫》、《大空港》，以及缝合较明显的《夺魂锁》。然而成也萧何败也萧何，一镜到底在吸睛的同时，也往往流于刻意的匠气，有时甚至为了方便、迎合一个镜头内的调度，甚至不惜牺牲叙事的流畅、构图的合理；而且不少“一镜到底”并非是天然的一个take，而是由各组长镜头联合而成，是谓“伪” 一镜。

不过，本片的“一镜到底”是「时间」与「空间」的粘合剂与转换器，它将真实的物理时间长度化为空间内的调度，巧妙实现时空过度与转场，无缝对接「现实」与「戏剧」，调度堪称精妙。跨越几个星期的事件，如何在一个镜头内展现时间的流动？影片以出入不同场景空间作为转场的手段，也标注出时间节点，这样既丰富了场域信息，又保持、绵延了人物在单个镜头内的情绪状态。

观看时仔细分辨是否真正的“一镜”，并未看出任何明显的缝合处，虽说影片只有74分钟，但可以猜测是进行了大量现场训练与调度指导，才能将时间点掐得如此精准，且与剧本的发展完全贴合、恰切。如此老道的手法，于一位青年导演来讲，对影像与镜头的掌控力，对文本的捕捉力，都是相当惊人的。因此，“一镜到底”于本片来讲，不仅是一种技术手段，更是服务于叙事推进的必要因素，唯有才保持时间流动的状态下，观众才能透过被打破的第四堵墙，真正浸入其间，体验到虚实泯灭、现实与戏剧浑然一体的共情。

梦想照见现实

影片用改变画幅来作为「现实」与「戏剧」形式上的区分符号，角色言谈内容亦可清楚界定。「戏剧」的文本内外是两个同样悲伤而激愤的故事——戏内是两个女孩与一个男孩因没有出路而丧失生之希望的悲剧，戏外是一群青年无法达成梦想的苦闷呐喊。而在这两重结构之外，是坐在影院中观看这出戏中戏的观众们，无论是与哪一重的戏剧内容有共鸣，都自动化身为第三层的人物，通过观看与被观看，创作的界限显然模糊了。因此，这既是观众与演出者共同的现实延宕，又更像是现代年轻人共有的一出灰暗梦境，梦醒依然没有尽头，没有未来，没有希望，声声的嘶吼与呐喊撕破舞台的帘幕。

当得知舞台剧被停演，为排练付出诸多心力的演员们决心以自身行动来抗争不公的现实，他们穿越剧院的层层阻碍，终于登上舞台，面对空无一人的观众席，演绎属于自己的戏剧。这一刻，他们既是舞台上的演员，也是现实中的个体，当梦想在前方召唤，青春的勇气与信念燃烧的力量，终于让梦想穿透进现实。

这种信念在「戏剧」内的呼应是出走的念想，女主身处无爱可诉的环境，致使她冷漠麻木，对母亲和弟弟非常疏远冷淡，当得知唯一的好友离开小镇，她在绝望之中与朋友合伙杀了男友，准备一起逃离。观众无法得知她曾经受过哪些伤害，才变成如今的模样，但MOROHA乐队以说唱的方式作为介入旁白，成为具有全知视野的第三方，我们可以窥见日常生活是怎样逐渐滑入虚无的深渊与无法自救的黑洞。

说起MOROHA在影片中的表现，也是褒贬不一，不过笔者非常认同这个高度风格化的举措。伴以清澈、嘹亮、激越的吉他声，年轻一代的迷茫与反叛尽显无遗，自省的意识破壳而出，急促的弦声如跳跃的思维，是无可安放的灵魂呐喊。“我们是拥有自我意识的宇宙。”结尾处的陈词动人心魄，拥有光明就不会惧怕黑暗。

看后才知其噱头是一镜到底...但影响不大， 结构形式本身才是此片精髓——正是冰淇淋和雨声这两个元素所抛出的边界问题：哪些是电影真实？怎么把观众现实A、电影现实B、电影中的舞台剧剧情C混合起来，让电影游离于真假之间？

第一步使用真实故事作为背景（确有一组取消演出的青少年/宣传噱头？）及一部来自Simon Stephens的好话剧Morning，使用演员的真实名字、导演的出镜带来一定程度纪录片的效果；加上一镜到底来强调真实感、让排练穿插在B现实中（顺便讲完C剧本故事并以此映衬B时空的青春情绪）、让旁白般的配乐表演适时出现在B与C时空中并时不时对A发言；最后用话剧Morning即C时空的节奏和情绪置换B的，完成对A观众的情绪控制。放在建筑学视角而言，就是一部拥有所谓“现象学透明性”且颇有构成主义色彩的电影，也可以说是赋格的思维，其一切组织的核心都是构成，通过不同层面的构成带来情绪节奏的张力，内容的表达则可遇不可求（于这部电影就是无关紧要了），正如导演开头就借自己口告诉观众“故事情节没那么重要”。

就此方面而言，电影是相当成功的。然而一切美好的所谓“中间状态”的模糊都被哪天熬夜熬抽了脑子的导演给用画蛇添足的遮幅给大大减弱了…关于中间状态还有一点，此片one cut下的转场的时间是跳跃式的，一方面竟意外带来B时空层面很不错的角色情绪的连续性，但同时又有种蒙太奇感——于是就此而言中间性有点Dilemma了：为强调真实性而一镜到底，但时间跳跃带来蒙太奇的感受，又减弱了那为一镜到底而努力的意义…总之一镜到底的宣传效果大于电影意义，不过谁不想点亮稀有成就“one cut导演”呢。

电影对Simon Stephens 的Morning的改编就保留原作的意义而言相当成功，几可说是同人作了；但并不符合电影改编的目的。原剧本简介如下，翻谷歌前两页，唯莱比锡剧场的介绍最佳：

„Nichts wird irgendwas ändern.“ Als Teenager in einer durchschnittlichen Vorstadt, die Mutter krank, der kleine Bruder nervig, die beste Freundin zieht weg — die Lage erscheint ihr aussichtslos. Alles ist scheiße. Was sie innerlich zum Kochen bringt, dringt in stichelnden Provokationen an die Oberfläche. Aber die Außenwelt reagiert kaum. Es scheint die gewöhnliche Rebellion eines Teenagers bis Stephanie eine letzte Grenze überschreitet. Ohne erkennbares Kalkül, beinahe mühelos tut sie, was nicht ohne Reaktion bleiben kann.

随手谷歌，无校对："Nothing will change anything." As a teenager in an average suburb, her mother is ill, her little brother is annoying, her best friend is moving away - the situation seems hopeless to her. Everything sucks. What makes her boil inside comes to the surface in teasing provocations. But the outside world hardly reacts. It seems like an ordinary teenage rebellion until Stephanie crosses one last line. Without recognizable calculation, she does almost effortlessly what cannot go unnoticed.

另Perlego的简介

It's the end of summer in a small, claustrophobic town and two friends are about to go their separate ways: one to university; the other will be staying local. But no matter what separates them, they will always share one moment: a moment that changed them forever.

'I missed first time. I could feel his skull caving in. It was like a shell.'

可见原剧本的虚无主义内核与导演插入的中二“生命力”的改编核心基本相悖，虽然原剧本的彻底工具化使内容和电影脱节，这一定程度上削弱了观众对B与C内核矛盾的感知，加上MOROHA热血缝合，大体上是糊过去了。但这个纸糊的缝隙随着电影发展逐渐撕裂——尤其到结尾处女主一段吐槽音乐 电影 演出 电视 体育 吃的全都是垃圾、神和希望都不存在之后，又如何能用一句“把亿万句叹息吸进，化作希望喊出，把亿万眼泪饮下，化作决心吐出”（改自字幕）衔接呢？许多观众对其内容乃至音乐的不认可很大程度来源于此。对剧本正能量式的改动或许是为了契合B时空的角色心理，但这个剧本本身就选错了，“目的是描绘青春疼痛”、描绘虚无与叛逆的剧本中只有叛逆一点勉强切B时空的题。

抛开这些问题，我十分喜欢MOROHA的配乐表演，它无论从哪个方面而言都撑起了半部电影，此中尤其喜欢其用了能剧的表达技巧，配合表演又显得特别金属，现代而不失传统风味，总之特别好！

MOROHA最后一段在摄影师走向观众席上楼梯时，完全踩在几个“亿万”的节奏上，好爽。另，40min末出现冰淇淋的时候导演竟还不忘夹带私货出现了本Byplayers剧本 : )