1 ) 午夜牛郎——以后也许再也不会有这样的时空,出现这样的电影了
虽说看本片时出现了乌龙(播放视频元件的倒插),以及成片自身有着美国独立片的一些通病,即简单粗暴的人物线和语境塑造后,更多的元话题被弄成了彩蛋一样,但不管怎样,本片依旧是我的心头好。【先夸一下达斯汀的演技!真的是演什么像什么,眼睛里的泪光与神采比强沃特好太多了!】
果然自己还是喜欢这个海报,就是不知道是P的,还是就是CC的
应该不止一个人说过剪辑的好。那大胆的闪前,插叙和幻想所带来的威力,过了这么久,依旧可以将人折服。疯狂的反叛信息也是像狂风暴雨一样,从开头到结尾,一路砸向观众。严肃的宗教,稳定的社会规则,循规蹈矩的生活,现代的物质发展,乃至更本质的,好莱坞的保守传统,都被剪辑师用画面宣泄了一顿。但,仅仅是这样吗。当然不是,本片的剪辑远远比这些浅层的东西要精密地多。
还是提一下,如何反应人物的融入,这俩镜头剪在一起就又感觉了。
首先,我们先从剧本上面来看。编剧一直在骗我们,让我们以为这是个双人戏,包括海报都是在告诉我们这一点,但实际上呢,本片就是一个单人戏,就仅仅只是乔一个人的生活,而小瘸子也只是一个过客,作用大概和闪回之中一直提到的被强奸的女孩一样,对乔来说是一种“痛苦”经历的注脚,如果将这个人物的整个经历给缩小来看,类似于陀翁小说之中那些“被观察”的悲剧小人物(《被侮辱》开头),自己的生命片段给故事的呈现叙述者带来冲击的同时,也有着为整个情节定调子的作用。
我们再继往深度上来看一下,抛开社会学,道德反思和语境上的表达,本片的内涵与呈现出来的外在很不一样,有着更加普世的悲天悯人的底色,既无法逃脱的,注定发生的悲剧。这是一种古典的宿命感。我们将几段闪回一起拉起来看一下,实际上,所有的闪回的主角都是乔一个人,包括片中一个小时处的那段幻想,看似是小瘸子是绝对主角,但实际上二者在这个场景里的重要程度是相同的。而这些有什么作用呢?我个人认为,黑白画面加上幻想等于以前和刚发生的“情感”(大部分是负面的),而剪入的现在的场景则是简单直接地告诉观众,“上述过程”不管乔愿不愿意,都会冲入他的人生。这是导演展现给观众的一种痛感,如同被强奸。
继续说导演是怎么表达“注定发生的悲剧”,或者说(单单的俩段悲剧的重合)这个想法的。开头的公车戏,虽然现在来看有冗长的嫌疑,但不妨碍这段戏的重要性。祖母的形象,在此时带有一种依耐性和美好的元素,再加上神父和牛仔的出现,以及小镇小房子的出现,这使得将这个“过去的生活地”变得真实可信,而祖母就是“过去的生活地”这个大环境的延伸。后来我们顺着闪回去找,也就会发现在被小瘸子忽悠后的那段闪回里,突出了神父的形象,为什么呢?这说明神父洗礼这段经历,对于乔的来说,是一种被欺骗的伤心感觉,配合着慌张地奔跑,影像的表现力也是拉满了(当然,这是后话。)而后面乔想泄愤但是并没有做,反而加入自己小时候砸坏镜子的场景,则是说明他自己对刚才发生的事情的一种接纳和忍受。
神父和瑞克“小瘸子”,在这个时候,俩人对于主角来说还是同种人
说到这里,对比过去的场景【西部小镇】和现在的场景【纽约】中男主的经历就可以明白了,至少在第一幕中,这俩个靠剪辑所塑造出来的{平行时空}之中的男主,都是一开始被美好的,还带有一种男孩子恋母的感觉所喜爱和依附,可是过了一阵子,便在电影中同时带给了男主伤痛,而男主在形式主义的反抗后,便只能选择接受。
可是,如果只是如此,本片当然还不足以称神,毕竟,预言的感觉和悲天悯人还没有体现出来呢。真正封神的地点,在于分出来的第二幕,靠,直接一段闪回把“过去时空”的痛苦呈现在观众面前,并且夹杂着模棱两可的剧情,以及纯粹的,有关小瘸子的幻想。这样一来,主角身上所承担的过去的悲剧性,以及当时的生活对人物的压迫,甚至简单地剧情上乔为什么要去纽约,一并给解释了,再加上那混剪本身的惊艳狂躁,黑暗的人群和奶奶所带来的压迫性的绝望,以及高楼坍塌和铁网冷寒,太牛逼了。更重要的,应该还有一点,就是导演似乎是故意地将小瘸子,也就是即将大放异彩的角色,瑞克的身份模糊,来欺骗我们。小瘸子瑞克在前面的闪回之中,代表的其实是类似于小镇神父,是带给乔痛苦的存在,而在第三幕的闪回之中,则是代表着和安妮一样,被着这个环境所欺压,和乔同病相怜的存在。导演没有明说,而是把瑞克放入乔的幻想中,和小镇的小牛仔们在一起。象征了他属于“环境”(不过当然不是小镇)的同时,也通过与安妮一起混剪时的暴力倾向婉转的表达了乔对他的猜忌和不了解。的确很妙。
这段剪辑真的很棒,而且也确实有种骗观众的感觉。看了之后,大家应该会明白的。
接下来的戏份,直到瑞克对乔说出自己病重的事实那里,我们可以发现,二人共同的生活,除去是相互接纳包容的过程外,还有就是乔对瑞克的观察,这个元素在墓地一场戏就点明了,并且通过对话中对家庭的叙述,为后面来群O派对二人参加的戏份做到了一个奇妙的互文照应,对当时的道德感的败落以及思考很巧妙的表达了出来。而这些事件所构成的经历,到瑞克表示自己病重之时,给了乔,乃至我们极大的震撼,这是重演的结局,俩个同病相怜者的被迫别离。
公车戏的这一段是一种受伤后的缓和,以及紧紧接着上文,是持续的命运。
到了这里,再加上后面来的公车戏与前面公车戏的照应,以及乔对地下神父的殴打(剪辑有性暗示,勃起和射O),就会发现有更大的悲剧性在里面,又一个被主角抛弃了的场景,但是同样的给了主角以后或多次记忆起,像是一个时不时流血的伤疤。而公车司机在提到“不过一场小病”这句话时,专属于美国的社会批判和通用于世界的孤独人生同时被点了出来,小聪明·也是恰到好处。以及最后那个伤心到爆的镜头,美好的图景只是脏兮兮的车窗上的浮动幻影,天,太让人伤心了!
唉,恒古的悲天悯人,在现代的创作下,依旧可以有着如此厉害的冲击力,本片不说是神作,也起码是上好的佳品了。十分推荐!
(PS,因为害怕被审核掉的缘故,所以说,图就少放一些,这样一来,也许就会让人感到讲得云里雾里的,不过看过的应该就比较明白我的意思吧,哈哈)
2 ) 人生来就应该享乐
萨冈作为一个才华四溢放荡不羁的女文青,在20世纪享乐主义被严重抨击的欧洲大地,一击致命的抛出了“所有漂泊的人生都梦想着平静、童年、杜鹃花,正如所有平静的人生都幻想伏特加、乐队和醉生梦死”这样的话,直戳那些宣传苦难的人。
作为萨冈的忠实粉丝,我无比的认同她说出的每个惊世骇俗的观点。对啊,我们每个人其实都是享乐主义者。我们同情穷者,是因为我们在吃肉的时候,才能看到在路边啃面包的人。我们同情穷人,是因为我们在午夜酒醉狂欢回高档公寓的途中,才能碰到衣不遮体蜷缩在路边的公共椅子上准备过夜的流浪汉。我们发出的这一点点的同情心,才换来了“朱门酒肉臭,路有冻死骨”这样的描述啊。
自古以来朱门里的酒肉才是真正促进社会发展的一剂猛药吧。
《午夜牛郎》中的达斯汀.霍夫曼,如果用文艺青年描述世俗生活中的人们的语句来描述他的话,应该是这样的:一个生下来就被父母抛弃的瘸子、一个为了十美元可以出卖自尊的穷鬼、一个低劣的骗子、一个寡廉鲜耻的偷窃者、一个不值得一提的流浪汉、一个穷困潦倒的隐藏版同性恋。
上面的形容多么符合一个一无所有的人,物质匮乏、生活拮据,三餐不知来处。瘸子找工作应该都会在还没有迈进门的时候就被果断的拒绝掉,更不要说住在自己付了头期款的花园洋房里享受着中产阶级的生活了。这样的人生,即使一个想要挑战人生极限的冒险者,也不希望自己身上披挂着这样的“光环”吧。
但生活糟糕到这种令人发指的程度,也不会让身处其中的主角放弃发家致富奔小康的梦想。
你看,达斯汀.霍夫曼,为了可以奔向想象中的美好新生活,忽悠了一心想要通过当牛郎来摆脱贫困的生活的强尼.沃特,预谋着一起开发新客户。强尼挂着牛仔风的牌子没人摘,第一次做生意赔了20美元给老女人,极尽所能的想要在纽约的大街上勾搭上一个为情悲苦性生活不协调的中年妇女,但从来没有成功过。
霍夫曼为了这笔不用付出太多的生意,亲自上阵,不仅去洗衣店帮强尼洗衣服,还展示自己的理发、擦鞋以及偷帽子的高超手艺,开始了对强尼的形象设计。搞定这些后,就开始设想两人在弗罗里达的海滩上,穿着浮夸,被所有的女人艳羡和垂涎。
强尼问霍夫曼“这么好的擦皮鞋手艺,为什么不去靠着这个吃饭呢?”
霍夫曼不假思索的回“像我父亲一样,一辈子都弯下腰,手上永远洗不尽鞋油那样吗?那不是我要的生活。”
霍夫曼和强尼代表的不就是我们吗?期待着一份钱多活少离家近顺带还能实现梦想的好工作,不用辛辛苦苦的站在水池中三个小时就为了修好业主的水管,不用为了两美元在马路上坐一天低着头弯着腰给别人擦鞋理发,不用过这种听上去就可以看到末日的生活,哪怕现在吃完上餐不知下餐在哪里。
不知饥饿为何物的一本正经的人们要开始批判了,“你们这么懒活该没有钱“、”你们不知道人活着本来就是要承受苦难的吗?”
不不不,我觉得物质带来的匮乏和生命本身之中存在的苦难是两码事情。物质的匮乏让人们精神萎靡以及困苦不堪,陷入在一日三餐、房租、交通的漩涡中无法自拔。人们生活下来就应该享受生活,享受那些轻松、快乐、舒服的东西。
这哪里是懒惰,这哪里是眼高手低,这分明就是我们每一个人一生都想要追逐的生活啊。
对,你可以说我白日做梦被资本主义的思想所腐蚀,但我觉得这就是生活,我们穷尽一生要追求的生活:读自己喜欢的书、睡想睡觉、努力赚钱以及完好的 享受人生,就是如此简单。
我讨厌那些动不动将“年轻人,不要每天想着吃香喝辣轻轻松松,要学会接受贫困的生活”挂在嘴边的人。因为我觉得这样的人不真诚,对别人对自己没有真诚可言,他们被这些所谓的句子腐蚀,拿来灌输给那些并不需要这类有毒鸡汤的人们。他们哪怕开着玛莎拉蒂,也不会坦然的告诉你“我其实就是为了过更奢华的生活而奋斗的”,毕竟谈着理想主义可以忽悠更多的人,没有几个人可以像萨冈一样无所顾忌的说出“我要写一本书,我会赚很多钱,我要去买一辆雪豹”这样直面对物质的极大欲望的话了。
好了,你可以说我对物质的超强欲望让我显得世俗和卑鄙无耻。但对威士忌、美食、电影、音乐和旅游的热爱和享受让我感觉良好,对,我就是要要过一种卑鄙无耻的充满享乐的生活,这是我的理想。
人生匆匆,让我们来跳舞吧。
3 ) 说说男主角--Jon Voight
首先,这位伟大的演员是安吉丽娜-朱莉的父亲。
乔恩-沃伊特(Jon Voight)与大多数好莱坞明星一样,演艺事业起步于舞台和电视。他所不同的是很快就受到了学院的认可,四获奥斯卡奖提名,一次封王。他与女儿安吉丽娜-朱莉(Angelina Jolie)的张狂、性感不同,他更多的是一种沉稳与儒雅,好似一瓶美酒,越久越淳,侵入心脾。他有着强壮的体魄、开朗的性格、富有魅力的个性,是当代美国人梦想的化身。
1938年12月29日,乔恩-沃伊特出生于美国纽约州扬克斯(Yonkers),是一位捷克裔美国高尔夫球迷的儿子。他从小生性腼腆,但却爱上了表演艺术,他还在高中和天主教大学上学时就活跃于学生戏剧界。1960年毕业于天主教大学,并开始向邻居幼儿园老师桑福德-迈斯勒(Sanford Meisner)悄悄学习表演,并于这一年在纽约牡蛎剧场(Oysters)进行了他第一场非百老汇喜剧的表演。人们对他在这场表演中的评论是好象"既不会走,也不会讲话"。幸运的是,他坚持了下去,后在"纽约社区剧团"接受表演训练。1961年,他在百老汇名躁一时的歌舞剧《音乐之声》(“The Sound of Music”)中饰演一个歌手角色。由于天生具有北欧血统,相貌英俊,所以他一直在一些电视连续剧中担任配角。1966年,他参加了加州全国莎士比亚节。第二年,由于他在《那个夏天》(“That Summer”)和《那个秋天》(“That Fall”)中的出色表演而获得了世界戏剧奖(Theatre World Award)。
1967年,沃伊特上演了他的银幕处女作,在被誉为“新西部片旗手”的约翰-斯特奇斯(John Sturges)执导的西部片《龙虎山大决斗》(“Hour of the Gun”)中饰演一个土匪小角色。接着他出演了讽刺片《勇敢的弗兰克》(“Fearless Frank”)。1969,沃伊特主演了奥斯卡金牌导演约翰-施莱辛格(John Schlesinger)的剧情片《午夜牛郎》(“Midnight Cowboy”),在剧中饰演了一个梦想到纽约挣大钱的大眼睛皮条客乔-巴克(Joe Buck),作为新人的沃伊特将精力旺盛的得克萨斯州青年巴克塑造得栩栩如生,而一夜成名。此片的成功使他被授予纽约影评协会和全美影评协会的最佳男演员奖,并首次获得了第42届奥斯卡奖最佳男主角提名。这也将他的二部60年代中期拍摄而从未发行过的影片迅速推向市场。
进入70年代,他的片约不断。但是他拒绝接受那些只注重青春和相貌的影片。相反他选择了一些具有挑战性的角色,如德国金像奖导演迈克-尼科尔斯(Mike Nichols)执导的黑色反战喜剧片《第22条军规》(“Catch-22”,1970)中的陆军军官米洛,《革命者》(“The Revolutionary”,1970)中的政治活动家A,而1972年约翰-保曼(John Boorman)执导的冒险惊悚片《激流四勇士》(“Deliverance”)中那个自私自利的艾德-金特里(Ed Gentry)则是他早期最被人看好的角色之一。
1978年,沃伊特在哈尔-阿什比(Hal Ashby)执导的战争剧情片《归家》(“Coming Home”)中塑造了一个越南战场上归来的伤兵路克-马丁(Luke Martin)。影片探讨越战给美国人带来的微妙影响,具有相当高的代表性。沃伊特片中的戏绝大多数是在轮椅上拍摄的,但由于他较好地把握了路克-马丁这个人物身残,但头脑清晰、毅力惊人、浑身充满活力的性格特征,因而演来挥洒自如。从而使他获得了1978年第31届戛纳电影节和1979年第36届金球奖、第51届奥斯卡三项最佳男主角的桂冠。从影十年,即获影帝称号,一时傲视众雄,赞誉不断。
80年代和90年代,沃伊特更致力于各种社会政治活动,拍电影的时间越来越少了。1983年他拍摄的《五口之家》(“Table for Five”)使他成为了票房上的明星。1985年,他又在苏联导演安德里-康查罗夫斯基(Andrei Konchalovsky)执导的冒险动作巨片《暴走列车》(“Runaway Train”)中饰演罪犯曼尼,出色的表演,再次获得第58届奥斯卡最佳男主角提名。1990年又推出了《永恒》(“Eternity”),他还在该片中担任了编剧。这部影片讲述的是一个电视记者的故事,他试图揭露政府的腐败行为,并爱上了一个模特,碰巧这个模特也是他想要爆光的这支力量的工具。此片一直没有广泛发行,但是其内容充分反映了沃伊特的世界观。这以后他参加了一系列的电视片拍摄工作。
90年代后期,他先是推出了迈克尔-曼(Michael Mann)的动作惊险片《热力》(“Heat”,1995),这是一部十分卖座的警匪动作片,影片对人物的内心世界有着深入的探索和展示。由奥斯卡影帝艾尔-帕西诺(Al Pacino)和罗伯特-德尼罗(Robert De Niro)主演,加上沃伊特,此片有三位奥斯卡影帝加盟,难怪如此卖座。接下来,1996年,沃伊特又与汤姆-克鲁斯(Tom Cruise)合演了另一部卖座大片----由布赖恩-德帕尔马(Brian De Palma)执导的冒险片《碟中碟》(“Mission:Impossible”),在剧中饰演叛徒吉姆(Jim)。1997年,沃伊特一口气上映了数部具有一定影响力的影片:路易斯-罗萨(Luis Llosa)的恐怖惊悚片《狂蟒之灾》(“Anaconda”)、名导奥利弗-斯通(Oliver Stone)的惊悚片《U形转弯》(“U-Turn”)、戴维-霍根(David Hogan)的动作片《一号通缉令》(“Most Wanted”)和大导演弗朗西斯-福特-科波拉(Francis Ford Coppola)的讽刺片《播雨者》(“The Rainmaker”),这些影片是既叫座又叫好,显示了沃伊特的演绎功力和影响力。
1998年,沃伊特在托尼-斯科特(Tony Scott)执导的动作惊悚片《全民公敌》(“Enemy Of The State”)中饰演美国安全局的情报头子托马斯(Thomas),与威尔-史密斯(Will Smith)和吉恩-哈克曼(Gene Hackman)联袂出演。本片着重描写了政府官员滥用权力腐败黑幕,利用高科技的手法将层出不穷的跟踪与反跟踪演示得让人眼界大开。1999年,沃伊特又在布莱恩-罗宾斯(Brian Robbins)执导的剧情片《球队的荣耀》(“Varsity Blues”)中饰演作风严厉的铁血足球教练巴德(Bud)。这是一部迎合美国青少年的口味的影片,通过一个高中美式足球队的故事,将他们的喜怒哀乐及二代人所不同的观念进行了诠释,体现了所谓的"美国精神",因而赢得了年轻一代影迷的青睐。
2001年,沃伊特参加了迈克尔-贝(Michael Bay)执导的史诗战争巨片《珍珠港》(“Pearl Harbor”)的拍摄,从吉恩-哈克曼手中争得罗斯福总统的角色,尝试了一回当总统的经历。之后,他又与女儿安吉丽娜-朱莉合作推出了西蒙-韦斯特(Simon West)执导的动作惊险片《古墓丽影》(“Lara Croft: Tomb Raider”)。影片改编自著名的流行电脑游戏《古墓丽影》,他在剧中饰演劳拉的父亲考古学家克罗夫特(Croft)公爵。接着,他在本-斯蒂勒(Ben Stiller)执导的男模喜剧片《祖兰德》(“Zoolander”)中有令人忍俊不禁的表演。
2001年,沃伊特最精彩的表演是在迈克尔-曼导演的传记片《拳王阿里》(“Ali”)中,他在剧中饰演长期与阿里合作的王牌评论员霍华德-科塞尔(Howard Cosell),与威尔-史密斯一起共同演绎了传奇拳王穆罕默德-阿里在60、70年代拳坛上的拼搏历程,将这一位美国体育史上最伟大的斗士人生轨迹再在于银幕之上。他因此片的精彩表现获得了奥斯卡奖最佳男配角提名。
乔恩-沃伊特的第一任妻子是1962年结婚的劳里-彼得斯(Lauri Peters),后两人于1967年离婚。第二任妻子马奇琳-伯特兰(Marcheline Bertrand)1973年与沃伊特结合,5年后又各奔东西。但生有两个孩子:安吉丽娜-朱莉和詹姆斯-黑文(James Haven)。其中的安吉丽娜-朱莉子承父业,在银幕上的风头绝不亚于沃伊特,频频爆光媒体的安吉丽娜-朱莉大有青出于蓝而胜于蓝之势。
获奖记录:
2002年因《拳王阿里》获第74届奥斯卡奖最佳男配角提名
1986年因《暴走列车》获第58届奥斯卡奖最佳男主角提名
1986年因《暴走列车》获第43届金球奖最佳男主角奖(剧情类)
1979年因《归家》获第51届奥斯卡最佳男主角奖
1979年因《归家》获第36届金球奖最佳男主角奖(剧情类)
1978年因《归家》获第31届戛纳电影节最佳男演员奖
1970年因《午夜牛郎》获第42届奥斯卡奖最佳男主角提名
1970年因《午夜牛郎》获第27届金球奖最有前途新人奖
1970年因《午夜牛郎》获第23届英国电影学院最有前途新人奖
1970年因《午夜牛郎》获全美影评协会的最佳男演员奖
1970年因《午夜牛郎》获纽约影评协会最佳男主角奖
4 ) 伤感
L先生总爱跟我说达斯汀霍夫曼有多么多么牛B,其实我对他真的也就是还好,总觉得他演得会过分用力了,当然啦,好戏之人天分之外更多地是要靠努力的。可是《午夜牛郎》这部片子真他娘的伤感啊,真他娘的伤感。
5 ) 谁他吗说这是同志电影
那些说这是同志电影的家伙你们是不是脑子有翔,你们知道什么教惺惺相惜么?你们认真看完电影了么?你觉得乔第一次面对妞子不能勃起就说明他是gay了,我次奥尼玛
6 ) 上流和下流
相比这个赫赫有名的译名,我更愿意把片名直接称为:半夜的牛仔。一个心心念念跑到大都市来闯世界的小镇牛仔,一心想要成为一名成功的性工作者,在牛郎界扬名立万。但从始至终,他始终是一名都市街头身穿流苏夹克、头戴牛仔帽、脚踩牛皮长靴的小镇牛仔,格格不入。
类似的题材有很多,《大开眼界》里,人模狗样的中产阶级阿汤哥不小心撞破了上流社会的秘密之后那种蠢动和恐慌,虽然披了一层神秘和恐怖的外衣,其实与《午夜牛郎》中闯入行为艺术派对的乔和里佐异曲同工,这或许也是“美国梦”的基因在这个已经谈不上有什么真正梦想的时代所发生的变异。乔的欲望当中没有多少杰克•伦敦式的愤怒,却保留了马丁•伊登在发迹之前那种令人惊讶的纯真,你敢说那份在街头追逐所有可能成为顾客的女性的劲头中没有蕴含着某种令人落泪的天真吗?你有什么权利去嘲笑一个认真地想要做一名出色牛郎的小镇青年呢?说到底,所有的梦想,在实质上并没有多大差别,不过是以梦想的名义,希图参与到现存的利益分配格局中去罢了。而所谓梦想的破灭,也无非是事实的水落石出:这世界充满着荒诞的障碍,它们如同无物之阵,在上流和下流之间,目标虽有,而道路全无。
目标,对于《大开眼界》里的阿汤哥来说,或许就是那次惊鸿一瞥的上流社会性派对,对于《午夜牛郎》里的乔来说,不过就是成为一名成功的牛郎。不论如何,身在其中的参与感,才是最重要的。乔被年老色衰的妓女讹诈,为身无分文的学生blowjob,从变态老男人的房间里落荒而逃,他一次次耐心地与这个世界周旋着,期待着转机。里佐又何尝不是,他充大佬,抓住一切机会偷抢拐骗,无谓地虚张声势希望维持早已破碎的自尊。影片里,里佐满怀希望地站在街边,看着乔怀揣自己费尽心机弄来的富婆客户名单,虚张声势地和高级饭店门口的侍应们周旋。这个他们曾经认为一定会成功的计划,以乔被保安抬着重重摔在路边台阶上告终。那短短几级台阶,那道透明的玻璃门,对于他们来说,是无法逾越的障碍,没有人愿意带他们玩儿。每当绝望,我们总是习惯性地寄希望于被拒绝的人之间的情谊,似乎这样能够带来一些安慰。里佐在通往派对的狭窄楼梯上摔倒,目送乔远去的背影,乔在贵妇家的“力不从心”,以及那句著名的“等你把阿司匹林买来,我可能已经死了”的疑似娇嗔,似乎是片中为数不多的亮色。当乔终于决定换下那身牛仔的衣服,整个影片的色调似乎也为之一振。迈阿密海滩阳光的召唤淡化了都市废弃的楼房中寒冬的萧瑟,也驱散了此前乔脑海中一直挥之不去的梦魇。
以上路开头,以上路结束。以希望开始,以死亡告终。目标虽有,道路全无,在被所有的障碍粉碎之后,至少还有那份隐晦的温情在给人以虚妄的抚慰。
尽管达斯汀·霍夫曼在这里又矮又瘸,还是比一身土气而且恐同的男主角更有吸引力,不认为这是一部爱情片儿。
哎,那时候的美国感觉没跟现在的中国差几年啊。
跨年放映的最后一部片子,其实前半段都淹没在新年祝福里没认真看。特别喜欢淡淡的不刻意的结尾,带着点忧伤和丧的调子中开始新的一年。二人的感情正像火花里的师傅和小林子,很难用庸俗的爱情去概括,而是更高级的理解,与更低级的陪伴吧。
维持生命的两个必要条件,阳光和椰汁。结尾阳光正好,椰子树立得挺拔,生命却到了终点。狂乱的剪辑对应癫狂的幻想,阴冷的陈述对应残酷的幻灭。我们生来都是孤独,孤独的gorgeous chick,孤独的信奉耶稣的老gay,孤独的穿貂女,在来回穿梭的城市里每一个孤独擦肩而过。
这无疑是我看过的最郁闷的电影之一:一个乡下蠢男想靠身体吃饭被老婊子骗,各种窝囊一阵子,终于开始狂怒要钱,人不坏真是干不了鸡鸭的活儿。可是他又充满同情或者什么奇怪的心理照顾着另一个半死不活的底层小坏人(达斯汀霍夫曼演的!)所有的镜头转化虽然是过去的时代,在美国,看得人却异常忧伤。
Dustin Hoffman演戏太精彩,能让人忽略他的貌不惊人~~
大致看了一下豆瓣上说法。没有中意的。通通好象忽略掉背景只对了少年心志横遇人情冷暖再至两人相XU以湿的温暖唏嘘感慨。。。我所注意的,却是那个时代大量美国导演所惯有的含混的影射。仿佛不提一下那些大事件,整个基调就出不来。你可以看到越战,看到危机,看到运动后的萧条,看到复苏后的紧张的乐观
剧本无敌,剪辑神级,原声劲爆。对于牛仔的过去,我们只能从那幻觉式的剪辑去猜测,但无论如何牛仔(纯朴民风)始终是孤独的,怀着希望来到纽约(现代文明),而纽约的冷漠、颓废却在导演的镜头下表现得淋漓尽致,“繁华”下只有霍夫曼这小人物是唯一的同伴,并且这渺小的温暖最后也死在希望的路上……
虽然一开场就是茱莉他老爸在浴室捡肥皂,虽然全片的剪辑节奏诡异非常,那场嬉皮士派对也全然不知所云,但真TM忧伤,两位男主真是。。。甩开希斯·莱杰和杰克·格莱恩哈尔几条大街。(算了,拉踩不对)
60年代到现在,纽约一点没有变。边缘人的生活会愈发边缘,他们一个或是两个一起,消失在大都会里,不会有人知道。你以为生活要开始的时候,或许已经结束了……那时候的奥斯卡还多么先锋迷幻啊。嗑药剪辑很容易让人想起逍遥骑士
8.2;我自问待人无大害,为何世界不容许我存在
达斯丁霍夫曼是神。开场一段严重觉得摄影打光剪辑各种老派,但是到了后面就完全没有问题了,新好莱坞风范尽现。整部片始终很抓人,最后结局如果能再有力一点就完美了。
域仔和COWBOY,农民工的纽约梦。
梦想总是被现实毁坏。在现实的重压之下只能依靠美好的臆想来支撑人生中卑微的快乐。乔与里佐的感情,我更愿意相信是友情。在残酷现实里诞生的一朵友情之花。
孤寂的灵魂迷茫地游走在喧嚣中,虽然身置其中却是格格不入;寒冷的心灵依偎取暖舔舐伤口,即便生死相隔依旧天长地久。
2019上影节NO.05.这片最打动我的地方在于,管你是男人和男人还是其他什么,弱化了性别对立之后,人与人在彼此依靠的日常中建立起来的信任、情感无比动人。大部分强化性别身份的gay片都没做到(同志电影大多都在争取平权,因为尤其强化直弯对立)。
4.5 对私密情感的挖掘、反讽美国梦、几段视觉爆炸都是亮点。当年奥斯卡真不错,这种异常独立气质的电影也能拿最佳影片。/2019.6上影重看,太好哭了。
「心底/有你夢想的家園/腳底/有你故關的泥沙/只是歲月把你的眼睛/染成了灰色/你,仍就在找尋/那曾失落了的/你自己底心 沒有眼淚/因為/你還有明天」(林冷〈流浪人〉)
因达斯汀·霍夫曼而伟大
1.首部获奥斯卡的X级影片,题材与形式上均流溢着新好莱坞的反叛血脉。2.一个精神上“残疾”但踌躇满志的牛仔男妓与一位身体上残疾的穷困骗子/小偷间的兄弟情谊,令人动容;表面光鲜美好的美国梦也展露出了背后黑暗残酷的底质。3.社会历史分析的范本:60年代末的迷惘与激情,性解放,迷幻药派对,同性恋运动与恐同。4.精神分析范本:大量运用高速剪辑、跳切及黑白-彩色切换的碎片式闪回亦真亦幻,道出牛仔被“阉割”、被侮辱和被“同性恋化”的童年阴影与创伤记忆;与此相关的白日梦、幻想、联想与噩梦场景亦全然遵循精神分析的逻辑。5.配乐歌曲极佳,前半段始终乐观向上,激情洋溢,随后渐次低落转为悲剧,结尾则在忧伤中再次高扬希望,一如凄风苦雨的纽约之夜与阳光灿烂的佛罗里达之日。6.两次做爱:压在身下的遥控器&换台电视;拼字游戏块。(9.0/10)